George Ward Tjungurrayi George Ward Tjungurrayi. Il a fallu se résigner à gagner la ville où la vie est plus simple, la possibilité de se soigner facile. Pourtant pendant longtemps George Ward s’y refuse. « Je suis un homme du Bush, Moi » répond –t-il à une interview avec fierté il y a quelques années. Mais quand le gouvernement évoque avec lui la maison de retraite, George s’enfuit et rejoint sa fille dans les communautés très isolées, jouxtant les états de l’Australie Occidentale, du territoire du Nord et de l’Australie Méridionale. Ces derniers mois, il y peint toujours un peu même si le style se fait beaucoup moins prècis avec l’âge. Il est né sans doute au tout début des années 1950 (1945 selon d’autres sources). Son père meurt lorsqu’il est jeune. Il rencontre pour la première fois des hommes blancs alors qu’il est encore adolescent et qu’il campe avec sa famille près d’un point d’eau. Il s’agit des membres d’une « commonwealth Welfare Patrol ». Ils seront amenés jusque Papunya, là où va apparaître le mouvement pictural. Il occupe plusieurs postes dans la cuisine communautaire, comme de nombreux hommes, cela faisant partie de la politique d’assimilation. En général, ceux qui refusent ces postes ne peuvent pas manger à la cantine. Après son mariage avec Nangawarra, issue d’une des familles importantes du désert, et la naissance de leur premier enfant, ils se déplacent vers Warburton, Docker River, Warakurna et enfin Kintore où ils finissent par s’installer pour un long moment. Devenu un homme de loi important et suivant l’exemple de son frère Willy Tjungurrayi, George se mets à peindre. Pour la conservatrice de la National Gallery of Victoria, sous le charme de sa peinture à la fois puissante et délicate, George Ward a attendu pour se lancer dans la peinture de maîtriser les connaissances, d’en avoir une idée synthétique pourrait-on dire. La terre, les sites sacrés et toutes les histoires qui y sont associées sont représentés à l’aide de quelques lignes formant comme un labyrinthe. On y voit rien, juste ces lignes mais elles décrivent des histoires complexes mettant en scène les Ancêtres et comment ils insufflèrent la vie dans cette région, l’une des plus isolée du monde, et surtout le déplacement et les actions des Ancêtres Tingari. Une fois déposé les points, généralement blancs, la toile, illuminée, prend toute sa force. Il meurt en septembre 2023. Selected Solo Exhibitions: 2010 George Ward Tjungurrayi, Trevor Victor Harvey Gallery, Sydney 2005 George Ward Tjungurrayi, Clarence Gallery, London 1998 Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 1997 Utopia Art, Sydney, Sydney Selected Group Exhibitions: 2022 Innovation in Three Parts | Araluen Arts Collection, Araluen Arts Centre, Alice Springs 2022 Fifty Years Papunya Tula Artists, Utopia Art, Sydney 2022 Irrititja Kuwarri Tjungu | Past & Present Together: 50 Years of Papunya Tula Artists, Part 2, Kluge-Ruhe Collection, University of Virginia, Charlottesville VA, USA 2022 George Ward Tjungurrayi and Nola Campbell: George & Nola, Tim Melville Gallery, Tamaki Makaurau / Auckland 2022 Warakurna Artists - Mungarrtji Yunguntjarra (Yesterday/Tomorrow), Yaama Ganu Gallery, Moree NSW 2021 Gillian and Watson McAllister Collection, Cooee Art, Bondi 2021 50 Years of Papunya Tula Artists, Kate Owen Gallery, Sydney 2021 Papunya Tula: 50 years 1971-2021, S.H. Erwin Gallery, Sydney 2020 Pintupi Masters - Enduring Dreamings, Kate Owen Gallery, Sydney 2019 Matches 6: Three clusters, FireWorks Gallery, Brisbane 2019 Defining Tradition: the first wave & its disciples, Kate Owen Gallery, Sydney 2019 Pintupi Artists of the Western Desert, Japingka Gallery, Perth 2017 Community VIII, Utopia Art Sydney 2016 The Art of Humanity at The Pratt Institute, Imago Mundo, New York 2015 Map of the New Art, Imago Mundi, Venice 2015 Community VII, Utopia Art, Sydney 2015 Sydney Contemporary 2015, Carriageworks, Sydney 2015 Wynners, Kate Owen Gallery, Sydney 2014 Dak'Art Off 2014, 11th edition of the Biennale of Contemporary African Art, Imago Mundi, Dakar, Senegal 2013 Venice Biennale 2013, Imago Mundi, Venice 2013 Community V, Utopia Art Sydney 2012 Ancestral Modern: Australian Aboriginal Art from the Kaplan & Levi Collection, Seattle Art Museum, Seattle 2012 Community IV: Celebrating Forty Years of Papunya Tula Artists, Utopia Art, Sydney 2012 Unique Perspectives: Papunya Tula Artists and the Alice Springs Community, Araluen Arts Centre, Alice Springs 2011 40 years of Papunya Tula Art, Utopia Art, Sydney 2011 Papunya Tula Artists, Community III, Utopia Art, Sydney 2010 Stories from the Centre, Kate Owen Gallery, Sydney 2010 Ngurra Kutju Ngurrara, Belonging To One Country, ReDot Gallery, Singapore 2009 Community, The Heart of Papunya Tula Artists, Utopia Art, Sydney 2008 David Larwill and the Western Desert Artists, Stephan Weiss Studio, New York 2008 Aboriginal Art 2008, Scott Livesey Galleries, Melbourne 2007 Papunya Tula, Short Street Gallery, Broome 2007 Big Paintings by Papunya Tula Artists, Utopia Art, Sydney 2007 Turning 20, Utopia Art, Sydney 2007 Aboriginal Art 2007, Scott Livesey Galleries, Melbourne 2007 Master Work From Papunya Tula, Birrung Gallery, Sydney 2007 Pintupi Art 2007, Tony Bond Aboriginal Art Dealer, Adelaide 2007 Pintupi Mixed Exhibition, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2006 A Particular Collection, Utopia Art, Sydney 2006 Melbourne Art Fair, Royal Exhibition Building, Melbourne 2006 Western Desert Satellites, Art Gallery of Western Australia, Perth 2006 Right Here, Right Now: Recent Aboriginal and Torres Strait Islander Acquisitions, National Gallery of Australia, Canberra 2006 Papunya Tula Artists 2006, Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 2006 across the board, Utopia Art, Sydney 2006 Group Show, John Gordon Gallery, Coffs Harbour 2006 Pintupi, Hamiltons Gallery, London 2006 Bits and Pieces - abstract art, Utopia Art, Sydney 2006 Aboriginal Art 2006, Scott Livesey Galleries, Melbourne 2006 Pintupi, Hamiltons Gallery, London 2006 Melbourne Art Fair, Royal Exhibition Building, Melbourne 2006 Papunya Tula Artists - Recent Paintings, Harriet Place, Darwin 2006 Pintupi Dreamtime, Red Dot Gallery, Singapore 2006 Paintings by Papunya Tula Artists, Suzanne O'Connell Gallery, Brisbane 2006 Yawulyurru kapalilu palyara nintilpayi, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2005 New Works From The Western Desert, Indigenart, Perth 2005 Pintupi Show, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2005 Papunya Tula Artists - new work for a new space', Utopia Art, Sydney 2005 Strongly and Stately, Red Dot Gallery, Singapore 2005 New Ideas 2005, Utopia Art, Sydney 2005 Papunya Tula Artists, Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 2005 Aboriginal Vision in Contemporary Australian Art, Wright Exhibition Space, Seattle, Collection of Margaret Levi & Robert Kaplan 2005 Pintupi Art 2005, Tony Bond Aboriginal Art Dealer, Adelaide 2005 Aboriginal Art 2005, Scott Livesey Gallery, Melbourne 2005 Papunya Tula - New Paintings From The Kintore Kiwirrkurra Region, John Gordon Gallery, Coffs Harbour 2004 Papunya Tula - Selected Paintings, William Mora Galleries, Melbourne 2004 Depth of Field - Anamorphosis, Utopia Art, Sydney 2004 Binocular: looking closely at Country, Ivan Dougherty Gallery, College of Fine Arts, University of NSW, Sydney 2004 Pintupi Art 2004, Tony Bond Aboriginal Art Dealer, Adelaide 2004 Works from Kintore and Kiwirrkurra, Alison Kelly Gallery, Melbourne 2004 All About Papunya, Chapman Gallery, Canberra 2004 Talking About Abstraction, Ivan Dougherty Gallery, College of Fine Arts, University of NSW, Sydney 2004 Aboriginal Art 2004, Scott Livesey Gallery, Melbourne 2004 Ma Yung/ Pass It On, Framed Gallery, Darwin 2004 Melbourne Art Fair, Melbourne 2004 Papunya Tula Artists 2004, Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 2004 Pintupi Artists, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2003 Pintupi Art 2003, Tony Bond Aboriginal Art Dealer, Adelaide 2003 Papunya Tula Selected Paintings, William Mora Galleries, Melbourne 2003 Ab Op II, Utopia Art, Sydney 2003 The Desert Mob Art Show, Araluen Centre, Alice Springs 2003 Kintore-Kiwirrkurra, Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 2003 Pintupi Art From The Western Desert, Indigenart, Perth 2003 Masterpieces of the Western Desert, Gavin Graham Gallery, London 2003 Papunya Tula Artists - A Gift from the Desert, Utopia Art, Sydney 2003 Pintupi Artists, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2003 Framed Gallery, Darwin 2002 Pintupi Artists, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2001 Palm Beach Art Fair, Palm Beach, FL, USA 2001 Kintore and Kiwirrkurra, Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 2001 Art of the Pintupi, Adelaide 2000 Pintupi Men, Papunya Tula Artists, Alice Springs 2000 Papunya Tula: Genesis and Genius, Art Gallery of New South Wales, Sydney 2000 Art of the Aborigines, Leverkusen 1999 Aboriginal Art, IHK, Wurzburg 1998 The Desert Mob Show, Araluen Centre for the Arts, Alice Springs 1997 Papunya Tula Artists, Alice Springs 1997 Geschichtenbilder, Aboriginal Art Galerie Buhr, Speyer 1997 Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 1996 Papunya Tula Artists, Alice Springs 1996 Nangara, The Australian Aboriginal Art Exhibition, Brugge 1996 Museum & Art Gallery of the Northern Territory, Darwin 1996 Gallery Gabrielle Pizzi, Melbourne 1996 Araluen Centre for the Arts, Alice Springs 1996 Adelaide Fringe Festival, Papunya Tula Artists, Adelaide 1995 Papunya Tula Artists, Alice Springs 1995 Museum & Art Gallery of the Northern Territory, Darwin 1995 Dreamings - Tjukurrpa, Groninger Museum, Groningen 1993 Dreamtime Gallery, Broadbeach, QLD 1992 Dreamtime Gallery, Broadbeach, QLD 1991 Araluen Centre for the Arts, Alice Springs, Australia 1990 Friendly Country - Friendly People, Araluen Art Centre, Alice Springs 1990 The Isaacs Gallery, Toronto, Canada Awards and Recognition 2004 Wynne Prize, Art Gallery of New South Wales, Sydney - Winner 2003 20th NATSIAA, Darwin - Finalist 2003 Desert Mob, Araluen Art Centre, Alice Springs - Finalist Collections • National Gallery of Victoria, Melbourne • Artbank, Sydney • Art Gallery of South Australia, Adelaide • Groninger Museum, Groningen • Museum of Victoria, Melbourne • Robert Holmes a Court Collection, Perth • Supreme Court of the Northern Territory, Darwin • The Luczo Family Collection, USA • Kaplan and Levi Collection, Seattle • Art Gallery of New South Wales, Sydney • National Gallery of Australia, Canberra • Charles Darwin University, Darwin • Seattle Art Museum, Seattle • Corrigan Collection, Sydney • Luciano Benetton Collection, Venice • Gillian & Watson McAllister Collection, Sydney • Araluen Arts Centre, Alice Springs • Fondation Burkhardt-Felder Arts et Culture, Motiers, Switzerland • Sammlung Klein, Eberdingen-Nussdorf, Germany • Gabrielle Pizzi Collection, • The Kelton Collection, Santa Monica, USA

George Yapa Tjangala Groupe Pintupi – Désert Occidental George (né vers 1946) a vécu de façon traditionnelle dans le bush. Il a été élevé par Anatjari Tjampitjinpa qui en 1971 devient l’un des créateurs du mouvement artistique aborigène. George voit pour la première fois un homme blanc en juin 1962. Une patrouille amène son groupe familiale dans une communauté aborigène en 1964. George commence à peindre ses propres œuvres en 1976 en s’inspirant essentiellement des Cycles Tingari (comme ici associés au point d’eau de Putaralkanya). Collections : Museum of Victoria Fondation Kelton (USA) Hank Ebes Coll (Nangara) University of Virginia (USA),…

Georgina Kelly Napaltjarri groupe Pintupi / Luritja – Mt Liebig – Désert Occidental Georgina Kelly Napaltjarri est née le 16 septembre 1985. Elle est la fille de Ducie Kelly et la petite fille de Lily Kelly Napangati, une artiste bien connue dont le style inspire aujourd’hui Georgina.

GERALDINE GRANITES NAPANGARDI Le pays figurant dans cette peinture est la région de Purturlu (Mt Theo). Ngalyipi (liane serpent [Tinospora Smilacina]) est souvent représenté dans les peintures contemporaines Warlpiri par des lignes courbes et possède une grande signification cérémonielle pour les warlpiri. Les femmes Napanangka / Napangardi et les hommes et Japanangka / Japangardi sont les gardiens de ce Rêve sur ce site. Geraldine Granites Napangardi est née et a vécu toute sa vie à Yuendumu. Géraldine est la fille d'Alma Granites Nungarrayi, et la petite-fille de Paddy Japaljarri Sims (DEC) et Bessie Sims Nakamarra: deux des artistes les plus influents du désert du Tanami. Géraldine a commencé à peindre au centre il ya deux.

Geraldine Napururrla Langdon est née en 1968. Elle est la fille d'Amy Napaljarri Dixon et la petite-fille de Liddy Napanangka Walker (1925-2017), artiste majeur de Yuendumu à qui la galerie a consacré un catalogue. Elle a passé son enfance à Alice Springs et est allée à l'école locale. À l'âge de seize ans, elle s'installe à Yuendumu, une communauté aborigène ou vivait sa grand mère et termine ses études à l'école secondaire de Yuendumu. Elle est mariée à Jimmy Langdon et a 2 garçons et 2 filles. Geraldine a commencé à peindre en 1996. Elle s'inspire de plusieurs Rêves dont Janganpa Jukurrpa (Bushtail Possum) – Mawurrji, Lukarrara Jukurrpa (Rêve de Graines Sauvages) et Yarla Jukurrpa (Rêve de la Patate Sauvage). «Quand je suis en train de peindre mes« rêves », je me sens satisfaite. Mes «rêves» me rendent heureuse. » Ici elle raconte l’histoire d’un ancêtre Jangala, Graine Sauvage, ‘waya-warnu’ (Acacia tenuissima), qui s’est rendu au sud d’une petite colline appelée Ngurlupurranyangu à Yamunturrngu (mont Liebig). Au cours de son voyage, il a ramassé les graines de «waya-warnu» et les a placées dans des «parrajas» (plateau traditionnel en bois), qu’il portait sur la tête. Quand les gens revenaient dans leur camp après avoir collecté les graines, ils fabriquaient de grands brise-vent pour s'abriter et vannaient la graine à la fin de l'après-midi. La graine immature de ‘wayawarnu’ est moulue en une pâte et peut être utilisée pour traiter les maux d’estomac. La cérémonie associée au "waya-warnu" consiste en la préparation d’une grande peinture au sol. Ce Rêve / Jukurrpa appartient aux femmes Nampijinpa / Nangala et aux hommes Jampijinpa / Jangala.

Gershom Garlngarr communauté d'Oenpelli - Terre d’Arnhem Occidentale Né en 1963 Gershom est l’un des artistes d’Oenpelli qui s’est fait un nom, grâce à un style très fluide et des compositions originales. Collections National Gallery of Victoria

Ginger Tjakamarra Ethnie Pintupi – Kiwirrkurra – Désert Occidental Ginger (vers 1940 – 2008) est le neveu de Nosepeg Tjupurrula et le mari de Makinti Napanangka, tous deux des artistes très célèbres. Avant son mariage avec Makinti, il se marie avec la fille de Shorty Lungkata, l’un des créateurs du mouvement artistique. Il s’est mis à peindre tardivement, vers 1983. Ici il décrit des motifs associés au site de Yatkalintja et aux Cycles Tingari. Collections Holmes a Court National Gallery of Victoria Fondation Kelton (USA)

Glady Kemarre (Gladys Kemarre) Ethnie Alyawarre – Communauté d’Utopia – Désert centra Gladys est l’une des matriarche de l’oustation, le petit centre de peuplement de Camel Camp sur les terres d’Utopia. Elle est née vers 1937. Elle possède des droits importants sur le thème du Rêve de Prune Sauvage devenu aujourd’hui la principale source d’inspiration. Collections: Aboriginal Art Museum, The Netherlands The National Gallery of Australia, Canberra The National Gallery of Victoria, Melbourne The Holt Collection, Delmore Gallery, NT, The Holmes a Court Collection, Perth

Glen (Glenn) Namundja Oenpelli – Terre d’Arnhem Occidentale - Groupe Kunwinjku Glen (ou Glenn) Namundja vit dans la communauté de Gunbalanya (Oenpelli). Il est né en 1963. Sa carrière de peintre a commencé avec la création du centre d’art en 1989. Cependant, sa formation artistique a commencé beaucoup plus tôt sous la tutelle de son père, le célèbre et respecté artiste Peter Marralwanga. Marralwanga et un autre initié, Billy Yirawala ont eu une influence artistique mais aussi spirituelle sur Glen. Il est aujourd’hui un artiste complet, pas seulement un peintre mais aussi un graveur et un sculpteur. Ces dernières années il a connu un certain succès, multipliant les participants aux expositions, les sélections pour les prix artistiques. Il ne s’est pas contenté de reproduire des œuvres figuratives associées aux traditions de son peuplent mais s’est aussi engagé vers un art plus abstrait ou parfois jouant entre figuration et abstraction, tout en puisant dans le corpus traditionnel. Il a ainsi remporté le prix de la meilleure écorce lors du fameux Testra Award. Prix: 2007 Finalist, National Aboriginal Torres Strait Islander Art Award 2008 Finalist, Highly Commended and Acquired National Aboriginal Torres Strait Islander Art Award 2009 Highly Commended, West Australian Premier's Art Awards 2009 Finalist, Togart Contemporary Art Award (acquired) 2009 Winner, Works on Paper category National Aboriginal Torres Strait Islander Art Award 2010 Winner, Works on Bark category National Aboriginal Torres Strait Islander Art Award Collections : National Gallery of Victoria,

Gloria Mills Petyarre Ethnie Alyawarre / Anmatyerre– Communauté d’Utopia – Désert central Gloria fait partie d’une famille comptant des membres importants dont son frère Greenie Purvis, grand initié et peintre célèbre. C’est aujourd’hui l’une des doyennes de cette région.

Gloria Napangardi Gill est née en 1975 à Derby, en Australie Occidentale. Elle a passé sa jeunesse à Balgo, une communauté aborigène isolée située dans l'ouest de l'Australie, liée à la fois au Grand Désert de Sandy et au Désert de Tanami. Elle est allée au collège catholique de Nulungu à Broome, puis a fréquenté le centre d'éducation des adultes de Balgo, où elle a appris les techniques de la vie courante. Elle a travaillé au programme des personnes âgées à Balgo avant de déménager en 1997 à Nyirripi. Elle peint depuis 2010. Elle aime peindre les histoires associées aux Rêves de son grand-père, en particulier ceux du site sacré de Lappi Lappi, près du lac Hazlett, au nord-ouest du lac Mackay. Ces histoires lui ont été transmises par son père et le père de son père avant lui pendant des millénaires. Ce Rêve appartient aux femmes des sous-sections Nakamarra / Napurrurla et aux hommes Jakamarra / Jupurrurla. Ce rêve est associé à un endroit appelé Jaralypari, au nord de Yuendumu. Lukarrara est une plante avec une graine comestible. Les graines sont traditionnellement broyées sur une grosse pierre («ngatinyanu») avec une pierre plus petite («ngalikirri») pour la fabrication de la farine. Cette farine est mélangée à de l’eau (‘ngapa’) pour former des pains chauds cuits et consommés. Les grands cercles concentriques représentent souvent le site de Jaralypari ainsi que les plantes Lukurrara. Les formes en «U» peuvent représenter la Karnta (femmes) collectant le «lukarrara» et les lignes droites sont fréquemment utilisées pour représenter les graines tombées au sol. Elles sont également collectées par les femmes à l'aide de leurs «parrajas» (plateau en bois) et de «karlangu» (bâtons à fouir). Mais Gloria donne souvent une interprétation assez contemporaine de ce sujet.

Glory Ngarla 90 x 120 cm (Gloria Ngala – Glory Ngale) (née vers 1948 –Oct 2002 - Anmatyerre) Glory est née à Boundary Bore dans la région d’Utopia vers 1948. Elle s’est marié à un membre de la famille de la célèbre Emily Kame Kngwarreye avec qui elle a eu 3 fils et 3 filles. Glory, comme la plupart des artistes de la communauté d’Utopia, commence sa carrière artistique en réalisant des batiks avec des motifs traditionnels. Glory est douée et rapidement elle participe à des expositions (elle voyage ainsi à travers l’Australie où elle passe par Darwin Adelaide, Sydney…dans les années 1980). On peut voir l’un de ses batiks dans le livre de Marie Brody « Utopia – A Picture Story » qui montre les batiks appartenant à la collection de Robert Holmes à Court. Les Rêves principaux de Glory sont « Bush Berry », « Bush Plum », « Yam Dreaming » and « Body Paint ». Elle les décrit de façon pointilliste ou linéaire. En 2001, Glory commence à peindre ses séries de « Bush Berry » et « Bush Plum » en utilisant uniquement des petits rectangles et des carrés. C’est un nouveau virage dans sa carrière; le résultat est saisissant et attire les collectionneurs et les investisseurs. L’œuvre de Glory est ainsi, riche et plein de surprise. Malheureusement Glory décède en Octobre 2003.

Gordon Barney Groupe Kitja – Kimberley Orientale – Australie Occidentale en général les toiles de Gordon, décrivent à l’aide de perspectives les plateaux de la région d’Alice Downs. Gordon, bien qu’initié et ayant de réelles connaissances tribales, est également chrétien. Il suit les « 2 voies » (two way). Il est marié à Shirley Purdie une artiste remarquable. Collections : Artbank, Sydney Kerry Stockes Coll

Groupe Alyawarre – Utopia – Désert central Gracie est née vers 1956. Gracie commence sa carrière artistique comme la plupart des artistes d’Utopia avec l’introduction de la technique du batik à la fin des années 1970 avant de se mettre à peindre sur toile dix ans plus tard. Gracie s’inspire essentiellement de son Rêve de Prune Sauvage, Amwekety, comme c’est le cas ici. Il y a une tradition artistique riche dans la famille de Gracie. Sa mère est la sœur de Gloria, Kathleen, Violette, Myrte et Ada Bird Petyarre, tous des artistes très célèbres. La Prune Sauvage est un thème important des initiées de la région d'Utopie. Les femmes célèbre ce Rêve au travers de cérémonies (dont le nom générique est awelye - qui inclut des peintures corporelles, de chants et des danses) pour assurer sa germination perpétuelle et revivifier le lien avec ces Ancêtres Prunes Sauvages.  Elle peint ce Rêve à la manière des autres artistes du désert, comme une vue aérienne. La couleur du fond de la toile décrit la saison puisque le prunier peut se couvrir de fleurs pendant les mois d’hiver mais change complètement d’aspect entre la saison des pluies et la saison sèche.   Collections: Holmes a Court, Beher Collection, Germany, Slaughter and May International Law Collection,

Grace Ward Napaltjarri Ethnie Pintupi – Désert occidental Elle est la fille de George Ward Tjungurrayi, l’un des maîtres pintupis. Elle est née en 1971 ou 1973. Elle se met à peindre en 2004 sous les instructions de son père mais aussi de sa mère, Nangawarra Ward Napurrula, certes moins célèbre que son mari mais néanmoins une artiste connue qui possède un style méticuleux. Son style mettra plusieurs années à s’affirmer. Au début, le style n’est pas assez personnel pour se faire un nom mais elle fait ses classes, prenant de plus en plus de recul et maîtrisant de mieux en mieux les techniques, la juxtaposition des couleurs et le sens de l’espace. Fin 2009, sa peinture évolue pour donner naissance à une peinture chaude, colorée avec une technique soignée, maîtrisée complètement (la réalisation se fait uniquement à l’aide de pics à brochettes, sans utiliser la brosse, même pour les cercles ou les bandes assez larges). Elle passe son temps entre Warakurna et Alice Springs.

GREENIE PURVIS PETYARRE (dit aussi Greeny) Greenie était né vers 1930, à Boundary Bore où il a vécu jusqu’à sa mort, en mai 2010. Greenie Purvis Petyarre était l’artiste masculin le plus connu d’une famille qui comprenait quelques unes des plus importantes figures du mouvement artistique aborigène : on peut ainsi évoquer sa tante, Emily Kngwarreye – son père Jack était le frère d’Emily , ses cousine Kathleen et Gloria Petyarre et un certain nombre de sœurs de sang ou claniques. Il est aussi lié très directement à un autre peintre masculin d’Utopia bien connu des amateurs d’art aborigène, Lindsay Bird Mptyane. Iil était marié à Kathleen Kemarre, avec qui il a eu quatre filles, Judy, Maureen, Jedda et Jennifer, toutes des artistes. il était surtout un homme hautement respecté, un grand initié, le gardien du pays d’Alhalkere. Il était le « Emu Man » le plus âgé d'Utopia, celui qui dirigeait des cérémonies associées au Rêve d’Emeu, très important dans cette partie de l’Australie Centrale. Mais il maîtrisait bien d’autres connaissances et il a peint sur d’autres thèmes comme le Rêve de Dinde, de l'Igname et du Kangourou, Rêve de Prune, et les peintures corporelles qui accompagnent la célèbration de ces Rêves ou les « Men’s Story ». Le Rêve d’Igname prend une grande place dans sa production (l’igname sauvage ou atnwelarr). On dit que ses œuvres dynamiques et linéaires suivent les changements saisonniers dans le développement de la plante d’igname et de son système racinaire complexe et… comestible, qui a fourni une source de nourriture et d’eau au peuple Anmatyerrye depuis des temps immémoriaux. Les couleurs indiquent les différents stades de développement, une couleur représente la graine d’igname avant la germination, après la germination, puis lorsqu’elle porte des fruits et après qu’elle ait porté des fruits. Les points représentent les fleurs de la plante, qui fleurissent après les pluies en Australie centrale. Bien que Greeny soit un initié très respecté, avec d’immenses connaissances ses peintures ont un aspect souvent très sobre. Elles reflètent ainsi sa personnalité sans prétention – modeste. Une fois de plus en matière d’art aborigène on peut être trompé facilement : les peintures qui paraissent très modernes dans l’aspect, très sobres, peuvent être le reflet de connaissances complexes, très traditionnelles et être riches en significations. Une série d'œuvres intitulée An Enriched Country a été peinte par Greeny en collaboration avec sa tante Emily. Rappelons ici qu’Emily Kame Kngwarreye est peut être la plus importante artiste australienne. Greeny a exécuté les motifs représentant les systèmes racinaires de l’igname, tandis qu'Emily a peint les fleurs sauvages qui fleurissent abondamment après la pluie. On dit que les histoires de rêve autour desquelles Emily a basé certaines de ses œuvres appartiennent en fait à Greeny. Ils partageaient les droits sur cette thématique et sur le même « pays ». Greeny, étant l'homme le plus âgé de la région, a donné la permission à Emily de les peindre. Greenie a commencé sa pratique artistique au début des années 1980 aux côtés d’une poignée d’initiés de valeur comme Lindsay Bird, Cowboy Louie Pwerle. On est là avant le « Summer Project » lancé par la Central Australian Aboriginal Media Association CAAMA. Pour la plupart des artistes de la région d’Utopia, essentiellement des femmes, c’est l’occasion de se lancer dans la peinture sur toile après avoir expérimenté pendant près de dix ans la technique du batik. Les doyens, avec Greenie, font donc partie des pionniers en matière d’acrylique sur toile sur les terres des Anmatyerre et Alyawarre. Greenie est lui même un locuteur anmatyerre. Pour ce qui pu voir les premières productions des hommes d’Utopia, elles sont très marquées par la symétrie, très structurées et une partie non négligeable de la production fait penser aux Cycles Tingari réalisés par les peintres Pintupi du désert occidental, plus vers l’Est : des cercles concentriques reliés entre eux par des lignes parallèles. Ils symbolisent le déplacement des Rêves au Temps du Rêve et se réfèrent aussi au terrain cérémoniel et aux « peintures sur sable ». Greenie, dès le début, a abordé ses toiles de façon plus personelle. C’est que les doyens n’ont pas de comptes à rendre, ils sont plus libres quand les jeunes n’osent pas s’affranchir de la tradition, n’osent pas en donner des versions personnelles. Mais peut-être faut-il des années pour murir la façon dont on veut illuster une histoire, ce que l’on souhaite montrer ou dissimuler ? Peut-être qu’une plus grande comprehension des motifs symboliques et de leur agencement permet de synthétiser un ensemble d’éléments avec une grande économie de moyen, d’aller à l’essentiel. Et Greenie avait une parfaite connaissance des sites dont il avait la charge et des histoires associées. Il a oscillé dans sa peinture entre trois styles distincts et facilement reconnaissables pour représenter ses Rêves. Dans les œuvres qui ressemblent le plus à sa cousine Kathleen Petyarre, Greenie a créé des champs de minuscules points qui imitent les subtils changements de couleur et de texture, indiquant les eaux souterraines et les légères variations du relief du pays d’Alhalkere. De délicats changements de couleur peuvent indiquer les différentes étapes du développement de la graine d’igname, de la germination à la maturité, la saison et le déclin éventuel de la plante. Un deuxième ensemble d’œuvres, bien que rendu avec la même délicatesse, présente des cercles régulièrement dispersés avec des bandes de points rayonnants et interconnectés. Son dernier ensemble d’œuvres a été peint dans un style linéaire avec l’emploi de couleurs. Au fil des ans, il a peint pour divers marchands d’art, dont Delmore, la galerie Mbantua ou la galerie Lauraine Diggins qui a présenté ses œuvres au public au Royaume-Uni, en Russie et en France. Il a été représenté au tout premier National Aboriginal Art Award en 1984 et a été finaliste du Telstra Art Awards en 2004. Ses peintures ont également été incluses dans de nombreuses expositions collectives importantes et deux expositions personnelles à la galerie Gabrielle Pizzi à Melbourne en 2000 (Lors de son deuxième solo consacré à l'œuvre de Greeny en 2004, Gabrielle Pizzi, une grande spécialiste de l’art aborigène, a déclaré que, selon elle, Greeny était « l'artiste aborigène australien masculin le plus sophistiqué de son époque ») et à la galeries Hogarth à Sydney en 2003. Les expositions personnelles sont rares dans l’art aborigène. Collections : Art Gallery of South Australia. Artbank. Mbantua Gallery Permanent Collection. The Aboriginal Art Museum, Utrecht, Hollande Musée des Confluences, Lyon, France The Museum de Lyon, France. La collection Thomas Vroom, Amsterdam, the Holt Collection,… AWARDS 2004  Finalist, National Aboriginal and Torres Strait Islander Art Award, Museum and Art Gallery of the Northern Territory, Darwin 1984  Selected Entrant, National Aboriginal and Torres Strait Islander Art Award, Museum and Art Gallery of the Northern Territory, Darwin

Gwenda Turner Nungurrayi Gwenda est née en 1978 sur les terres de la ferme d’élevage de Mt Allan (communauté aborigène de Yuelamu, située à environ 50 km de Yuendum). Gwenda est issue d’une famille qui compte des artistes célèbres : elle est la fille de Maureen Hudson Nampitjinpa, la nièce de Jean Nampitjinpa et sa belle-mère est Nancy Martin Napangardi. Le style de Gwenda Turner rappelle celui de sa mère Maureen Hudson, ce qui n'est pas surprenant puisque Maureen a transmis ses histoires directement à ses deux filles, Gwenda et Jillian, qui ont commencées très tôt à peindre, 15 ans pour Gwenda. Dans ses peintures, Gwenda décrit l’environnement de « son pays ». Alors qu’elle était encore jeune elle a arpenté cette région, se familiarisant avec le bush, incorporant les connaissances qu’elle transmet aujourd’hui dans ses peintures. Les différentes saisons, les sources de nourriture, les couleurs du bush l’inspirent. Mais c’est surtout sa grande maîtrise technique, la volonté de montrer cette précision, cette faculté de peindre des motifs très différents qui interpellent les amateurs.

Gwenda Turner Nungurrayi Gwenda est née en 1978 sur les terres de la ferme d’élevage de Mt Allan (communauté aborigène de Yuelamu, située à environ 50 km de Yuendum). Gwenda est issue d’une famille qui compte des artistes célèbres : elle est la fille de Maureen Hudson Nampitjinpa, la nièce de Jean Nampitjinpa et sa belle-mère est Nancy Martin Napangardi. Le style de Gwenda Turner rappelle celui de sa mère Maureen Hudson, ce qui n'est pas surprenant puisque Maureen a transmis ses histoires directement à ses deux filles, Gwenda et Jillian, qui ont commencées très tôt à peindre, 15 ans pour Gwenda. Dans ses peintures, Gwenda décrit l’environnement de « son pays ». Alors qu’elle était encore jeune elle a arpenté cette région, se familiarisant avec le bush, incorporant les connaissances qu’elle transmet aujourd’hui dans ses peintures. Les différentes saisons, les sources de nourriture, les couleurs du bush l’inspirent. Mais c’est surtout sa grande maîtrise technique, la volonté de montrer cette précision, cette faculté de peindre des motifs très différents qui interpellent les amateurs.

Harry Wedge (H.J. Harry Wedje) Wiradjuri – Cowra – Nouvelle Gales du Sud Harry, est né vers 1958, dans une mission. Il est l’un des peintres « urbains » les plus célèbres de l’art aborigène. Sa peinture, d’un aspect assez naïf, est plus que l’évocation de sa jeunesse dans les missions. C’est une critique acerbe des politiques d’assimilation, de l’influence du catholicisme, des ravages de l’alcool et finalement de toutes les conséquences de la colonisation. Son style très narratif et poétique tranche donc sur la thématique. Il débute sa carrière en 1992 et le succès vient assez vite. Il participe à de très nombreuses expositions prestigieuses tentant de communiquer et de faire comprendre ce qu’est être aborigène aujourd’hui dans la société australienne moderne. Un ouvrage lui est consacré « wiradjuri Spririt Man » (1997). Collections : National Gallery of Victoria National Gallery of Australia Queensland Art Gallery, Art Gallery of New South Wales Campbelltown City Art Gallery Moree Plains National Gallery,…

HECTOR JANDANY JOONGOORRA (Ethnie Gija – né vers 1927/29) Hector est certainement l’un des personnages les plus intéressants du Kimberley. Aujourd’hui l’un des doyens de la communauté de Turkey Creek (et l’un des derniers artistes de cette génération), initié hautement respecté, il est un personnage complexe. Fortement influencé par le christianisme et dans le même tant initié aux connaissances tribales importantes (il ferait aussi office de guérisseur et aurait une grande connaissance des plantes et de leurs propriétés), il possède ses propres croyances à la frontière entre ces 2 mondes. D’ailleurs Hector commence à peindre en 1979 avec le soutien de la mission catholique de la communauté. Il y peint des histoires traditionnelles avant de présenter le résultat aux enfants de l’école afin de leur enseigner leur culture. Comme beaucoup d’Aborigènes de cette génération, Hector a connu une vie difficile. Sa grand-mère et son père ont été tués par des blancs. Les œuvres de Hector sont un reflet de sa personnalité. Son style est différent des autres artistes de Turkey Creek. Les thèmes sont variés (Rêve ou description de paysages à la manière des Gija avec une prédominance des histoires lièes aux sites de la région de Ngarrgooroon, située au Nord des fameux Bungle Bungle (Purnululu pour les Aborigènes) mais les tons très doux et très sombres qu’il utilise ainsi qu’un certains minimalisme donnent à ses œuvres un côté métaphysique, étrange et en tout cas parfaitement identifiable. En 1995 il se lance dans la réalisation de gravures. Hector est un artiste réputé dont les œuvres se trouvent dans d’importantes collections privées et publiques : Australia National Gallery, National Gallery of Victoria, Holmes à Court Coll, Berndt Museum, Northern Territory Unversity Coll, Kerry Stockes coll,… . Il a remporté un prix artistique important en 2001.

Helen McCarthy Tyalmuty est une femme métis, d’ascendance aborigène et irlandaise, née en 1972 à Tennant Creek, au sud de Darwin, dans l’extrême nord de l’Australie. Helen vient du pays Bulgul dans la région occidentale de Wagait, dans le Top End (à environ deux heures et demie de route au sud-ouest de Darwin). Sa mère est une femme du groupe linguistique Batjamal et Helen a hérité de ses connaissances et de son Rêve, le crabe de boue. Après avoir passé la majeure partie de son enfance dans la communauté de Nauiyu Nambiyu (Daly River), Helen a poursuivi de solides études, d’abord à l’institut Bachelor puis à l'Université Deakin en 1994. La voie de l’enseignement la séduit, mais aussi, en parallèle la peinture. Pendant plusieurs années, elle trouve des compromis qui lui permette de satisfaire ses deux passions. En 1993, elle participait déjà à son premier festival d'art. Pendant 10 ans, elle a réussi à combiner un travail d'enseignante dans des communautés aborigènes isolées avec ses activités artistiques. En 2003, Helen décide de se consacrer uniquement à la peinture, à plein temps, perfectionnant progressivement sa technique, cherchant sa propre approche pour décrire ses Rêves, les histoires traditionnelles. Helen McCarthy a été encouragée à peindre par d’importants marchands australiens, comme John Ioannou, de la galerie Agathon, en 2005. Ce marchand a largement contribué à la découverte d’immenses talents, comme le peintre Yannima Tommy Watson. Quatre ans plus tard, soutenue, elle gagne en confiance et ses toiles atteignent sans problème 2 mètres de large et ses prix atteignent 27 000 dollars. « John n’a cessé de m’encourager », dira Helen. « C’était fantastique de travailler pour lui ». Les expositions, à partir de cette période, se multiplient, dans les grandes villes australiennes mais aussi à Singapour. En août 2007, Helen a eu l'honneur de recevoir le People's Choice Award lors du 24e Telstra National Aboriginal & Torres Strait Islander Art Award pour sa peinture Tyemeny Liman's Wutinggi (Grandpa Harry's Canoe). Il s’agit d’une belle réussite, le Testra Award étant un prix prestigieux, avec une sélection rigoureuse, riche. Elle dit de son grand-père : « À son époque, il était le meilleur fabricant de canoës de son pays. C'est une histoire triste et une belle en même temps. C'est le dernier canoë qu'il ait jamais fabriqué. » Helen a également été finaliste aux Telstra Awards 2008. Les prouesses artistiques d'Helen ont été acclamées dans le monde entier lorsqu'elle a été chargée de créer le décor de scène pour le tournage australien de l'émission Oprah Winfrey en 2011. Malgré une brève interruption, son esprit créatif a été ravivé à son retour dans sa maison d'enfance, Daly River, en 2015. Le retour à ses racines et à son pays a été le catalyseur d'une immense vague de création, comme en témoignent ses deux expositions personnelles à la Kate Owen Gallery en 2016. L'année suivante, Helen est apparue comme finaliste de prestigieux prix d'art tels que le Paddington Art Prize, le Georges River Art Prize, et a reçu le Margaret Olley Art Award au Mosman Art Prize. Entre 2017 et 2020, Helen a vécu à Alice Springs, Darwin, Daly River et Sydney. Ses œuvres d'art pendant cette période démontrent sa capacité hors normes à trouver l'inspiration tout autour d'elle et à faire évoluer son style dans plusieurs directions, parfois très opposées. Les distinctions continuent à suivre et, en 2020, elle a reçu le prix de l'art aborigène au Fisher's Ghost Art Award 2020. Sa peinture intitulée « New Growth - After the Fire » était une réponse aux feux de brousse dévastateurs qui ont ravagé le pays. La pandémie mondiale a vu Helen passer plus de temps à la maison et avec sa famille. C'était aussi l'épanouissement des Bulgul Artists, un collectif informel de famille et d'amis de Bulgul et des régions environnantes du Top End (le centre nord de l’Australie). Si les origines du collectif remontent à 2003, lorsque Helen a commencé à peindre, le succès d'Helen et de sa sœur Kerry McCarthy a poussé d'autres personnes à se lancer également dans l'art, ou à relancer des carrières en sommeil. Le studio d'art Bulgul Artists est une ruche de créativité et de culture, et Helen aime encadrer, encourager et soutenir les membres de sa famille dans le développement de leur carrière artistique. Le collectif a également été un canal parfait pour que la prochaine génération puisse se connecter à la culture, à la communauté, à l'identité aborigène. Helen a une passion incessante pour apprendre tout ce qu'elle peut sur la culture et le pays auprès de ses aînés, ainsi que la capacité de communiquer efficacement à travers son art en utilisant un éventail de styles, des techniques pointillistes complexes et originales mais pouvant aussi utiliser uniquement le pinceau (avec délicatesse, donnant un effet d’aquarelle et de transparence), des images parfois très abstraites, parfois franchement figurative, une utilisation de couleurs vives mais aussi expérimentant le noir et blanc, et des interactions intuitives avec l'espace et la forme. Son art peut être multicouche, complexe et coloré, ou il peut être sobre, solennel et parfois presque inquiétant. Son travail résonne avec une allure intemporelle mais contemporaine et certaines séries sont très éloignées de la production des autres artistes aborigènes. Helen explique qu'elle trouve l'inspiration tout autour d'elle ; dans son lien profond avec le pays, dans les pratiques traditionnelles associées à la vie dans le bush et dans ses incroyables histoires familiales. Le lien d'Helen avec le pays et la culture, combiné à son éducation non aborigène, sont des fondements sur lesquels elle peut se reposer pour exprimer ses idées de façon très personnel. Cette capacité à donner des interprétations contemporaines à ses anciennes histoires fait d'elle une voix distincte sur la scène artistique aborigène contemporaine d'aujourd'hui. Grâce à son engagement indéfectible à préserver la culture et à favoriser l'expression artistique, Helen McCarthy Tyalmuty continue d'ouvrir de nouveaux horizons et d'inspirer les générations futures. Elle explore continuellement différents sujets. Elle présente une gamme de sujets allant des évocations des crocodiles de la rivière Daly – qui auraient une rancune envers les humains en raison des mauvais traitements subis pendant le Temps du Rêve – aux paysages reflétant le visage changeant des saisons. Il y a la période pour collecter les œufs de crocodile, celle des brûlis autour des points d’eau pour attirer la faune sauvage qui se nourrira des nouvelles pousses de plantes et rendra la zone plus sûre pour les humains, et la quête des colorants végétaux pour teinter les filets de pêche qui seront tissés et réparés par les femmes. Et puis il y a la saga intemporelle de la bataille entre le Goanna (un varan, un gros lézard) et le Serpent (Emenyginy et Afendggu - le serpent King Brown perd toujours et meurt,… mais ce serpent est l’un des plus dangereux du monde et il est très présent dans le nord de l’Australie) Ngalgin est la mer et comme le savent les Wadjigan, c’est la source de toute vie sur terre. En fait, l’eau domine la vie des Wadjigan à tel point qu’un accueil sur terre (Tyek Tyek) implique de « baptiser » le nouvel arrivant avec une gorgée d’eau provenant de l’un des nombreux ruisseaux et rivières de la région (nous sommes dans une région tropicale). Et voici un bel exemple de la façon dont Helen traduit, synthétise tel ou tel élément d’une histoire traditionnelle pour peindre. L'histoire d'Awurrapun, le rêve du crocodile, est un autre exemple de récit tragique qui évoque la perte et la vie, ainsi que la façon dont le crocodile marin a obtenu sa peau. Les deux sœurs Helen et Kerry McCarthy racontent cette triste histoire de leur grand-père et pêcheur, Harry Limen Morgan, à travers leurs peintures et leurs récits. Il y a des années, un homme vivait près d'un petit ruisseau qui se jette dans la rivière Daly, et il était connu par sa tribu pour être un excellent pêcheur. Non seulement il attrapait assez de poissons pour subvenir aux besoins de sa famille, mais aussi du reste de la tribu. Il était très admiré par toutes les femmes, mais au fil du temps, la jalousie des hommes a commencé à grandir. Une nuit, deux hommes de la tribu ont conçu un plan pour l'assassiner et l'ont suivi jusqu'à la rivière. Alors que l'homme pêchait, les deux hommes ont jeté son filet de pêche sur lui. Essayant de se libérer du filet, l'homme s'est roulé et s'est débattu, mais cela n'a fait que resserrer davantage le filet autour de son corps. Jeté dans la rivière, il se débattit et tournoya et son esprit finit par quitter son corps. Toujours empêtré dans le filet, les deux hommes le pendent à un arbre. La femme du pêcheur découvre plus tard le corps de son mari et « accablée de chagrin, elle s’enveloppe dans son propre filet de pêche et se roule dans la rivière » (Crocodile Dreaming Awurrapun, 2019). Son esprit quitte également son corps et elle peut à nouveau être réunie avec son mari. Une fois que la tribu découvre son corps, elle la pendit aux côtés de son mari. De cette tragédie est né le crocodile marin, car ni le mari ni la femme ne meurent en esprit, mais se transforment en crocodile. Dans les toiles d’Helen McCarthy, il ressort clairement du motif de peau carré créé par le filet que c’est ce qui a formé la peau du crocodile. Awards and Recognition 2024 Fisher's Ghost Art Award, Campbelltown - Finalist 2024 Paddington Art Prize, Sydney - Finalist 2024 National Contemporary Art Prize, Canberra - Finalist 2022 Hadley's Art Prize, Hobart - Finalist 2022 Ravenswood Australian Women's Art Prize, Sydney - Finalist 2022 Connection | Songlines from Australia's First Peoples in a spectacular immersive experience, National Museum of Australia, Canberra 2020 Fisher's Ghost Art Award, Sydney - Winner 2020 Calleen Art Award - Finalist 2019 Calleen Art Award - Finalist 2017 Mosman Art Prize, Sydney, Margaret Olley Art Award - Winner 2017 Paddington Art Prize, Sydney - Finalist and Highly Commended 2017 Georges River Art Prize, Sydney - Finalist 2017 Hornsby Art Prize, Sydney - Finalist 2008 25th NATSIAA, Darwin - Finalist 2007 24th NATSIAA, Darwin - Finalist and People's Choice Award Winner Collections • Henderson Family Collection, Sydney • Corrigan Collection, Sydney • Luciano Benetton Collection, Venice • Fondation Burkhardt-Felder Arts et Culture, Motiers, Switzerlan

Groupe Kuktatja - Communauté de Balgo – Kimberley – Australie Occidentale Helicopter est né vers 1947. C’est un guérisseur traditionnel très respecté. Il a commencé par aider sa femme, Lucy Yukenbarri à compléter ses toiles avant de peindre ses propres histoires en 1994 et de s’imposer comme l’un des peintres importants de Balgo. Cette toile, à la texture riche et au style linéaire est caractéristique de son style. Collections : Ganter Myer Collection Laverty Collection National Gallery of Victoria, melbourne Kluge Ruhe Collection, University of Virginia, USA Ken Thompson and Pierre Marecaux Collection Musée du Quai Branly, France Musée des Confluences, Lyon, France